Estudio: Color digital-Sheldon Cooper

Hola a todos, les traigo en ésta ocasión un paso a paso explicativo acerca del proceso de dibujo que yo utilizo, aplicación de color y resultado final del retrato que hice de Sheldon Cooper (Uno de los personajes principales de la serie "The Big Bang Theory"):
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Para comenzar, lo primero y más aconsejable siempre, es estudiar muy bien la expresión del personaje que vamos a retratar, hacer un buen trabajo de observación antes de poner el lápiz sobre el papel o el formato donde estemos dibujando. Vemos detenidamente las proporciones, cómo influye el movimiento de los músculos que se tensan sobre los que se quedan relajados, las formas cóncavas y convexas del rostro y mentalmente, vamos convirtiendo las formas complejas que vemos ante nosotros en formas geométricas sencillas o en manchas abstractas fácilmente representables.

Una vez hecho ese proceso mental, estamos listos para comenzar el trabajo de dibujo.
(1) En primer lugar, hemos de poner en práctica la observación previa que hicimos, e ir traduciendo las formas sobre el papel partiendo de un todo hacia los detalles, definimos la posición de los hombros respecto a la cabeza con líneas sencillas (garabateamos lo que sea necesario) y el lugar del resto de detalles de la cara.
Por último dibujamos de forma sutil las sombras proyectadas que nos ayudarán como guía para el siguiente paso.
(2) Ya que tenemos orden sobre el formato, aplicamos un color para el fondo que soporte el resto de colores y nos ayude a vislumbrar mejor los espacios de luces y sombras. (3) Seguimos componiendo la imagen con una base de color plano y vamos agregando color en las zonas de sombra para darle profundidad.
(IMPORTANTE, al pintar con color NO utilizamos NEGRO ni BLANCO, iluminamos y oscurecemos con más color.)
(4) Terminamos de definir los contrastes del rostro para iluminar sobre las partes más claras, y, sobre los ojos y zonas muy puntuales dejamos algún punto de blanco que ayude a dar esa sensación de profundidad.

Por último me serví de unas texturas para dar luces y sombras al fondo ayudando a que Sheldon tuviese algo más de dimensión sobre el papel. (Efecto Pop Out)

¡Espero que les haya gustado!

Besitos ilustrados:
Eve Mae

Reflexiones Creativas: Talento

Es muy común encontrar a personas que confunden el significado e implicaciones del talento en un trabajo artístico o con algún tipo de intervención creativa.

¿Qué es el talento y qué entendemos por talento?
El talento es un indicio que muestra nuestra inteligencia más receptiva a ciertas actividades, ésto es, si algo se te da bien, tu inteligencia (de forma intrínseca, por naturaleza) se activa y hace que sientas facilidad para realizar una actividad que, normalmente, por el hecho de que se nos dé bien, nos provoca placer y sensación de autorrealización.
¿Qué se entiende por talento? El hecho de que se nos dé algo bien y nos haga destacar un poco sobre la media, lleva a la gente a confundir el significado del talento y a olvidar que para que ese talento crezca hay que alimentarlo; ésto es: el talento sin trabajo no es nada. El talento es la prueba de que ahí hay un diamante en bruto que hay que pulir, y si no lo trabajas ni lo pules, se confundirá con el resto de piedras, perderá el brillo que en algún momento tuvo y se perderá por el camino.

En actividades artísticas (no descarto que en otras de alta implicación intelectual suceda lo mismo), por falta de conocimiento sobre todo, las personas ajenas a éste campo obvian el trabajo duro y le dan el mérito al TALENTO. P.ej: Es que Pepita tiene mucho talento, por eso lo dibuja así de bien. Y no piensan en los años que lleva Pepita explotando y trabajando esa mina que encontró bajo el talento para hacerlo así de bien.

La cultura occidental tiene la mala costumbre de asignar el calificativo "inteligente" a las personas que hacen los test CI bien, dando prioridad a los cálculos matemáticos, comprensión lingüística, memoria... sobre el resto de inteligencias de las que disponemos. -Howard Gardner y Sir Ken Robinson tratan ampliamente la teoría de las inteligencias múltiples y el hallazgo del talento, postura que comparto con ellos- ¿Por qué los Matemáticos son llamados inteligentes y a los Artistas se nos llama talentosos? ¿No puede ser increíblemente inteligente una persona que se exprese con su cuerpo o con trazos sobre el papel? Yo diría que sí, y que hace falta apertura mental para dejar de lado la discriminación de las actividades artísticas, entender que la inteligencia es la capacidad de asimilar, comprender unos conceptos para luego aplicarlos en los diferentes problemas que nos vamos encontrando, y que éstos problemas pueden estar ligados a la percepción espacial, a cómo crear una armonía sinfónica, a cómo (nos) sentimos o incluso a cómo nos relacionamos con otros individuos, valorando éstas como importantes al mismo nivel de las habilidades lingüísticas, de la memoria o de las matemáticas.


Si hay algo que envidio profundamente de Asia, es que ahí se cree en el esfuerzo, en la entrega y la pasión que se pone en lo que se hace.
Así pues, la decisión más importante será a qué te quieres dedicar, cómo lo puedes aprender y qué puedes hacer con lo que ya tienes. En mi caso, esa siempre ha sido la fórmula que he aplicado para afrontar los nuevos retos que me voy encontrando y atajarlos lo más exitosamente posible -de momento me funciona-. Si algo te apasiona realmente, no cabe que la opción de fracaso sea motivo para tirar la toalla. Parafraseando a Samuel Beckett: Hay que fracasar sin miedo, fracasar, fracasar de nuevo, fracasar mejor. Aprender de los errores para hacerse cada vez más grande.

Besitos ilustrados:
Eve Mae.

La creatividad y el Lenguaje Artístico-Plástico. (Conferencia)

Tal como prometí, dejo el material de la conferencia que dí en la Universidad de Sevilla el pasado Viernes para la Semana de la Poesía, con los nervios hay cosas que se me quedaron en el tintero y surgieron otras nuevas, pero igualmente me lo pasé muy bien, fue algo especial y creo que pudimos disfrutar de aquel momento todos los presentes. Espero que les guste, queridos lectores, fue un honor estar ahí:

Ésta foto fue durante mi ponencia, mientras hablaba de conciertos ilustrados.
De izquierda a derecha, los conferenciantes por especialidades:
Marcos Neroy (Musicalizador de poemas), Leila Amat (Fotografía creativa)
Javier Helgueta (Moderador) y Eve Mae (Ilustradora compulsiva)

LA CREATIVIDAD Y EL LENGUAJE ARTÍSTICO

Partiendo de la base de que la creatividad es un proceso universal y de que vale para todas las facetas del ser humano, la creatividad puede ponerla en práctica cualquiera, no tiene por qué estar relacionado con las Artes. Ésta, es para mí una de las facetas comunes en la relación entre unas especialidades y otras, la creatividad es una raíz, y las Artes o el oficio que tengamos, hace que hablemos un mismo lenguaje a través de diferentes canales.

INTRO-BIOGRAFÍA

¿Quién soy? Me llamo Eve Mae, soy ilustradora, diseñadora y actualmente trabajo como dibujante de cómics.

¿Desde cuándo dibujo? Creo que no dejé de hacerlo nunca.
Desde siempre he sido bastante inquieta, y, todo lo que he ido aprendiendo me ha gustado ponerlo en práctica a la par que me iba formando, me gusta probar mis capacidades y encontrar un sentido útil de todo lo nuevo que voy asimilando para afianzarlo como una habilidad más en mi trabajo. Soy partidaria de ir aprendiendo a base de ensayo y error, que es como se aprende mejor éste oficio.

Acerca de las técnicas que utilizo para plasmar mis dibujos, me gusta complementar las técnicas tradicionales ya sean en medio seco o húmedo  (acuarelas, lápices, carboncillo, acrílicos tinta...)  con el entorno digital, no me gusta independizarlas;  escaneo mis trabajos, utilizo tabletas digitalizadoras, y como software de dibujo, mayormente me defiendo creando una buena paleta de pinceles en Photoshop, que me ofrece posibilidades infinitas para pintar o utilizo Sketchbook  para los bosquejos y los trabajos más rápidos.
Ahora mismo el boom de la era digital está siendo muy beneficioso para los artistas, porque nos comunicamos entre nosotros, evolucionamos mucho más rápido que antes cuando se dependía de un único maestro de taller, tenemos influencias de todo tipo y aprendemos unos de otros estando en cada punta del mundo.

Desde el inicio de mi formación en Artes, cuando llegó mi primera conexión disponible a internet... si no me equivoco tenía unos... 15 años, ya me empecé a mover haciendo encargos sencillos de diseño, mini trabajos de logotipos (dibujaba con el ratón del ordenador), buscaba clientes por tuenti cuando aquello estaba de moda; En aquel momento, mis amigas se tiraban fotos y yo me entretenía en buscar clientes para vender retratos y diseños , encontré un filón para dar a conocer mi trabajo sin moverme de casa...  hacía y pensaba en ese tipo de cosas; después, tras el Bachillerato de Artes, de los 17 a los 18 empecé a estudiar en el Ciclo Superior de Ilustración, ese mismo año accedí al Máster de creación de Books de ilustración y diseño Gráfico y empecé con otros trabajos pequeños como ilustradora de publicidad; a los 18, durante esa misma etapa,  me atreví a pedir permiso para dibujar conciertos en directo, aquello me empezó a proporcionar muy buenos contactos y futuros clientes y marchó bastante bien, además, ésta inquietud coincidió con que por fin legalmente podía acceder a salas de conciertos y esto desencadenó en mi fase artística más importante, ya que fue cuando fui a descubrir el mundo artístico desde el punto de vista de otros artistas, bajistas, compositores, cantautores, grupos de rock ...  es ahí donde me di cuenta de que contábamos cosas, lanzábamos mensajes que poseían un mismo lenguaje y  lo único que los diferenciaba era el canal intermediario que utilizábamos para lanzarlos al público.
Después llegué a la Escuela Joso de Barcelona a los 19 años, conseguí entrar directamente en 4º curso de Artes Gráficas y allí comencé a introducirme en el mundo del cómic, aprendí las claves de la Narrativa y las fui trabajando mientras descubría los Salones del Cómic y del Manga,  antes de terminar mis estudios ese mismo año, ya estaba preparando mi primer cómic para publicar en los Estados Unidos  como colorista en The Westwood Witches, que salió el pasado Noviembre. Ahora mismo estoy trabajando en el cómic Hacker Épico, adaptando una novela negra a viñetas como guionista y dibujante.

Al cabo de poco tiempo de entrar en contacto con ese mundillo me di cuenta de que la relación entre las especialidades artísticas convergía, colisionaba en el querer contar algo, como fuese,  contar una emoción, un sentimiento, una historia, incluso desahogarse emocionalmente. Y es bien probable que, lo que vosotros contéis con letras, yo lo cuente con puntos, vuestras palabras, son mis trazos, vuestros versos mis personajes y mis fondos, vuestras rimas, la composición en la narrativa de mis páginas, vuestras estrofas son mis viñetas, y finalmente, vuestro poema, es mi página de cómic.

Gracias por vuestro tiempo.

Info. Conferencia Artes Plásticas - Eve Mae

¡Hola!
Los que queráis ir a la conferencia que daré en la Universidad de Sevilla el próximo 11 de Julio podéis inscribiros aquí, la entrada es gratuita. En el link está el programa de actividades y ponencias que se harán durante las jornadas de poesía.
http://cicus.us.es/cas/index.php?page=taller_ficha&id=196

Hablaré sobre las Artes Plásticas y su relación con la poesía, la ejecución de las mismas en el entorno tradicional y digital, su aplicación... todo desde el punto de vista de la Ilustración Profesional; me encantará compartir con todos ustedes también una parte de mi en esas jornadas contándoles parte de mi experiencia profesional y de mis inicios.

Quienes no puedan ir a verme, pasada la fecha de la conferencia, dejaré disponible on-line el guión con el temario que voy a exponer, aunque siempre será más interesante poder recibir personalmente un feedback de los oyentes (habrá una parte de preguntas del público) quiero que lo disfrutemos todos.

Besitos ilustrados.
-Eve Mae-

Bloqueos artísticos. El trabajo de la mente.

A veces, en una profesión creativa como puede ser la de ilustrador, diseñador, dibujante de cómics... cuando nuestra mente de homínidos exigentes respecto a lo que queremos ver y nuestras habilidades no están coordinadas, se produce lo que llamamos "BLOQUEO ARTÍSTICO", me explico:

La curva de aprendizaje de los ilustradores tiene dos componentes que están en constante evolución a lo largo del tiempo, "lo que queremos ver" y "nuestras habilidades motrices"; durante el trabajo, nuestra mente valora a cada instante lo que estamos haciendo, cada trazo, cada mancha, lo ideal sería evolucionar de una forma paralela ambas cualidades, pero para crecer en el mundo de las artes creativas eso es imposible, el profesional se sorprende a cada instante y ese toque de "locura" que todos tenemos hace que éste sea un trabajo interesante. Una progresión sin altibajos sería peligrosa, ya que si en todo momento todo lo que hemos hecho nos pareciese correcto querría decir que estamos estancados, que no evolucionamos.

Normalmente nuestras habilidades motrices mejoran con la práctica, y nuestras exigencias tienden a aumentar con el progreso.

Si lo que tenemos delante de nosotros está siendo valorado como positivo, eso quiere decir que nuestras habilidades como ilustradores, están un poco por encima de lo que nuestro ojo estaba preparado para ver, en ese momento el dibujante o el artista creativo se encuentra muy bien, ha superado sus propias expectativas, es feliz, sigue adelante, pero sin darse cuenta su visión va a hacer que en un futuro cercano llegue una fase de súper-exigencia debido a que las expectativas sobre lo que se quiere ver en el papel han aumentado de golpe mucho más de lo que lo han hecho sus propias habilidades, justo en el momento que nuestras exigencias visuales se posicionan por encima de nuestras habilidades se produce un bloqueo creativo, pensamos "¡¿¡Pero qué ha pasado!?! ¡si yo antes molaba! ésto es feísimo, qué horror... no sirvo para ésto". Éste es un estado mental que frena temporalmente el crecimiento de nuestras habilidades motrices ya que hace que nuestro interés baje, practicamos menos y aprendemos menos cosas en un tiempo más prolongado debido al miedo que tenemos de fracasar en nuestro siguiente intento; ésto, puede llevar a que no dibujemos durante horas, días, semanas...
El descanso en un momento así puede ser bueno, pero lo más recomendable sería dibujar sin miedo, que no nos preocupe si hacemos un dibujo un poco peor que lo que esperábamos, podremos aprender de esos errores para seguir avanzando. Cuando conseguimos seguir adelante nuestras habilidades vuelven a acercarse a lo que esperábamos de nosotros en un principio, nos volvemos a sorprender y después de pensar que somos la caña volvemos a caer, pero tenemos que recordar siempre, que ésta caída será para volver a levantarnos. No podemos dejar que las emociones nos dominen al cien por cien, ya que sino, el miedo se apoderaría de nosotros y dejaríamos de dibujar; hemos de recordar que nuestras habilidades no han desaparecido, siguen ahí, solo es que no sabemos encontrarnos con ellas en ese momento. No debemos temer el bloqueo ya que va a estar presente en muchos momentos de nuestra vida creativa, si fluimos con él y seguimos dibujando poco a poco todo volverá a la normalidad.

On-line hay algunas páginas que proponen ejercicios de re-disposición para dibujar, garabatear, hacer actividades creativas. Yo os recomiendo los cambios de rutina, hacer actividades que no acostumbremos a hacer y sobre todo, vigilar nuestro "ritual" antes de dibujar para volver a emocionarnos cada día con nuestro trabajo.

Si queréis seguir investigando sobre el tema os recomiendo que echéis un vistazo al canal de Sycra, que lo expone de un modo algo más completo, es un Concept Artist bastante bueno para mi gusto; la única pega para quienes no lo hablen es que está todo en inglés, pero aún así comparte con sus seguidores grandes recursos y reflexiones muy interesantes.

Besitos a todos.
-Eve Mae-

Una mirada en el tiempo: Cómics y otros hitos. La importancia de fracasar.

A veces es bueno pararse a reflexionar, dejar las prisas a un lado y hacer una valoración de lo que se tiene para poder afilar las armas y seguir adelante. Pues bien, me encuentro en ese punto de reflexión y me gustaría compartirlo con todos vosotros.

Dentro de poco hará dos años desde que me embarqué en una aventura llamada CÓMIC, a primera vista una locura, sin haber hecho nunca nada relacionado con ello y proviniendo de un lugar donde éste género está a medio demonizar, me armé con mis conocimientos de ilustración y me largué a Barcelona a fracasar, sí, como lo leéis, así, sin anestesia ni nada, mi idea en un principio era esa: llegar, estrellarme contra todos los muros, darme de bruces el mayor número de veces posible en el periodo de tiempo que estuviese allí, llegar a mi límite, a las instancias más oscuras del fracaso.Y así lo hice.
Entré directamente en 4º curso explorando un mundo totalmente desconocido para mi y fracasé estrepitosamente durante un período considerable, mi talento para fracasar era increíble, pero, tras unas semanas, después de aquello, el fracaso iba dando sus frutos y mi estrategia también: En un tiempo récord aprendí lo que no tenía que hacer. Y a partir de ahí... comenzó la mejor parte de la historia: aprender de los grandes profesionales que me rodeaban. A decir verdad toda mi experiencia por el Norte fue increíblemente productiva, desde los conciertos ilustrados hasta la última viñeta que hice en la mesa de la clase de Aerografía (donde aprendí Narrativa). Cierto día, poniendo en jaque mis habilidades me tocó entintar. ENTINNNTAAAAAAR esa palabra que despierta pavor entre los alumnos de Art Gráfic, que piden aprender tinta hasta en la hora del bocadillo. Pues bien, entinté mis primeras páginas con la mayor dignidad que pude y... oh, maravillosa casualidad. Subí la foto de la hazaña a facebook y mi futuro compañero de batallas comiqueras dio conmigo.

El hecho de viajar sin miedo (pero con una precaución inteligente) de fracaso en fracaso me llevó al principio de mi aventura profesional y a lo que se tradujo posteriormente en publicar como Colorista en Estados Unidos mano a mano, nada menos que con Roger Bonet (Inker en Marvel haciendo Avengers, Age of Ultron... y en otras series bastante reconocidas) también ha desencadenado otra serie de sucesos positivos a nivel profesional que ya os contaré.
Mi filosofía de vida, desde siempre ha sido la de perseverar y aprender de mis propios errores, eso sí, cada error ha de ser diferente del anteriormente cometido, son errores con puntería, ¿cómo puedo pensar ésto? Pues lo tengo claro, si no tengo nada, nada tengo que perder, y equivocándome, sencillamente gano, me llevo experiencia. Creo que para crecer, es una pérdida de tiempo dedicarte a lo que ya sabes hacer, el camino seguro está bien, pero hay que darle algo de emoción de forma gradual para que tenga sentido, hay que salir de "La zona de Confort".

Hay quien hablaría de finales felices, para mi ésto es tan solo el comienzo.

Portada de la edición en Castellano a la izquierda, en su interior incluye una de las estampas de Goya dibujada por mi.
A la derecha, el cómic que salió en la edición Americana coloreada por mi.

Créditos de la obra "The Westwood Witches #3"

Aquí pongo un link por si quisierais comprarlo o ver el preview de las páginas.
http://digital.comicsplusapp.com/series_comic_details.php?product_id=com.iversecomics.amigo.comics.westwood.witches.three.english.11052013

¡Besitos ilustrados!
Y ya, os dejo al tanto también de que estoy preparando un nuevo trabajo como Autora y Guionista; acabo el post como acaban las buenas series:
CONTINUARÁ...

Estudio; Speed painting: Paisajes (Atardecer)

¡Hola!
Os traigo un nuevo "paso a paso", en éste caso sobre el dibujo de paisajes mediante pintura digital.
Es un sketch de bases de color de 35 minutos.

El concepto que utilizo para introducir el color en digital es el mismo que aplico en la técnica tradicional (Gouache por ejemplo) lo único que lo diferencia es la herramienta que utilizo. Encuentro bastante recomendable antes de empezar a trabajar en digital, dominar el trabajo pictórico sobre papel, encontrar el gusto por la mancha, el trazo y comprender el lenguaje que transmite el color. Una vez logremos ésto, trabajar con pintura digital será más sencillo.

En primer lugar, sobre un fondo blanco introducimos unas manchas que nos ayuden a visualizar la gama tonal que soportará el resto de colores del paisaje (observando siempre el color dominante de cada una de las partes), después comenzamos el encaje de los términos que compondrán el paisaje con las manchas base de un color plano, y cuando tengamos construida toda la imagen, procedemos a introducir los diferentes detalles y las últimas veladuras de color. Jugando con los tonos fríos y cálidos disponemos la iluminación desde un principio contrastando colores que potencien la profundidad del dibujo yendo de los más oscuros y claros, a los contrastes intermedios.

¡Espero que os guste!
Saludos:
Eve Mae